Richard Hamilton. Pop Art.

Richard Hamilton (London, 24  Febrero 1922 – London, 13 Septiembre 2011) es considerado el creador del Pop Art y “Just what is it that makes today’s homes so different, so  appealing?”, es tenida, por algunos historiadores, como la obra que marca el nacimiento de este movimiento artístico.

Richard Hamilton. "Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?". Collage. 1956.

Pocas cosas han determinado tanto el arte contemporáneo como la inclusión de la palabra POP en la cartela que sostiene con su mano derecha el musculoso hombre de la citada obra.

Hamilton acuña el término “POP ART” en una carta a the Smithsons fechada el 16 de enero de 1957, cuando escribe:

“Pop art is popular (designed for a mass audience), transient (short term solution), expandable (easily forgotten), low cost, mass produced, young (aimed at youth) witty, sexy, gimmicky, glamorous, big business”. Richard Hamilton.

Impulsor de los movimientos artísticos de los años sesenta, tuvo especial significado icónico su obra basada en la detención, en una redada antidroga, de Mick Jagger y el comerciante de arte Robert Fraser, en 1967.

Mick Jagger y Robert Fraser detenidos y esposados. 1967

Richard Hamilton. La detención de Jagger y Fraser. Litografía. 1967.

Hamilton diseñó la funda del disco “The Beatles” conocido como “The White Album”, publicado y lanzado al mercado el 22 de noviembre de 1968.

Richard Hamilton. "The Beatles - White Album". 1968

Las primeras ediciones llevaban el nombre del grupo musical en relieve y un número de serie en la portada.

Cuando Paul McCartney llamó a Hamilton para ofrecerle el diseño de la portada de ese nuevo disco, éste le dijo.

“Peter Blake’s album sleeve (for Sgt. Pepper) was crowed with people and very colourful. I thought it would be appropriate to present an album that was just white”. Hamilton.

El interés de Hamilton, quizás su fascinación, por la sociedad de consumo fue siempre crítico y paródico.

Richard Hamilton. "Richard". En la 197 Bienal de Venecia. Photo by British Council.

 “I’ve always done exactly I wanted to do and I’ve always had the good fortune to do that”. Hamilton.

Hamilton fue un estudioso de la obra de Marcel Duchamp. Fascinado por la obra de este gran creador se pasó años traduciendo al inglés las notas de la Caja Verde, que contiene las instrucciones para el Gran Vidrio, obra de la que hizo una réplica que firmó junto a su creador.

“Fue Duchamp el que me inspiró a abrirme a tanta heterogeneidad. La primera vez que fui a Cadaqués, en donde él veraneaba y yo he tenido después una casa, me contó que tenía un problema con el plato de ducha. Se quejaba de que salía agua y no sabía cómo arreglarlo. Estuvo mucho tiempo con este problema hasta que al final, no sé cómo, logró solucionarlo. Lo interesante es que tenía el mismo interés en arreglar este plato de ducha que en la obra de arte que estaba haciendo en aquel momento, el Étant donneés.” Hamilton.

“Mi pensamiento se basa en la dicotomía. Siempre que hago una cosa necesito lo opuesto. Y esto es algo que veía muy claro en Duchamp. No es que él me lo enseñara, porque yo ya funcionaba así, pero él lo hacía de una manera tan sistemática que me tenía fascinado. En su obra hay una clara orientación mental, pero que está opuesta a una realización objetual muy clara y muy construida”. Hamilton

A finales de los cincuenta, Hamilton, traslada su segunda residencia a Cadaqués para seguir los pasos de su maestro inspirador, Marcel Duchamp.

Esta porfía de Hamilton le llevó al disfrute de otra obstinación la de Ferran Adrià. Hamilton frecuentó El Bulli desde 1963. Su apetito gourmet quedaba repartido entre dos “top mundiales”.

“Mi casa de Cadaqués está a la misma distancia de El Bulli que mi casa de Oxfordshire de The Fat Duck”. Hamilton 

Richard Hamilton y Ferrán Adriá en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Abril 2009. Con motivo de la presentación del libro "Comida para pensar. Pensar sobre el comer"

La obra de Hamilton explora el mundo del consumo pero también ahonda en los géneros y estilos pictóricos y en las más significativas obras de los grandes creadores. En 1973 realiza una carpeta de grabados “Homenaje a Picasso”, editada con motivo del noventa cumpleaños del pintor malagueño.

Las  Meninas de Velazquez reciben una vuelta de tuerca más.

Hamilton, Goya y Picasso en torno a las Meninas de Velazquez.

Esta composición fotográfica fusiona a tres grandes creadores.

Hamilton posa junto a una plancha y tres pruebas de estado de Goya sobre Las Meninas,  datadas entre 1778 y 1779 y el primer esbozo realizado por Picasso en 1957 para su serie sobre la obra de Velázquez.

Hamilton junto a su obra basada en las Meninas de Picasso. Exposición en el Museo del Prado. Madrid. Marzo 2010.

Richard Hamilton. Homenaje a Picasso, Grabado. 1973.

La originalidad de este grabado radica en la sustitución que Hamilton hace de los personajes velazqueños por émulos picassianos de todos sus estilos y épocas.

Hamilton dispone, en estilo realista y académico propio de una etapa de formación, la figura de Picasso haciendo de Velázquez, en actitud engreída, convencido de su valer, mirándonos fijamente y con la hoz y el martillo sobre su pecho sustituyendo la Cruz de Caballero de Santiago que luce Velázquez.

Los periodos azul y rosa están representados por el niño arlequín que subyuga al perro. El cubismo inicial se ve en el ayo. El cubismo analítico se destaca en la figura principal de la princesa Margarita. El clasicismo de los años 20 da relevancia a la cabeza de la mujer que cuida a las niñas. Los años 30 se recuerdan en una de las meninas aludiendo a la niña que guía a un Minotauro ciego del año 1935, mientras que la otra es el retrato de María Teresa Walters.  El perro nos recuerda los animales expresionistas del Guernica. Y María Bárbola es un cuadro de la etapa de después de la II Guerra Mundial. En la pared cuelgan cuadros del cubismo sintético como Los tres músicos y del surrealismo.

Hamilton in a field near his Henley home with a painting from his 1992 Tate show. Photograph: John Reardon/The Guardian

Hamilton's Four Self Portraits - 05.03.81(1990)

La obra de Hamilton se caracteriza, sobre todo en la última etapa de su vida, por centrar su esfuerzo creativo en imágenes que llamen la atención por su carga de protesta y crítica moral, arremetiendo contra el “establishment” político de su país:  Hugh Gaitskell, Mrs Thatcher, Tony Blair.

Richard Hamilton, Portrait of Hugh Gaitskell as a Famous Monster of Filmland, 1964 (detalle), Óleo y collage sobre fotografía

Richard Hamilton, Treatment Room, 1983-84, Instalación

Richard Hamilton, The subject, 1988–90, Collage

Richard Hamilton, The State, 1993, Collage

Hamilton stands beside Shock & Awe (2007-8) at press night. Photograph: Rune Hellestad/Corbis

 Vigorosas reflexiones sobre su sociedad de un creador ya mayor, escéptico, apesadumbrado y cansado.

Richard Hamilton. Foto central de Tony Evans realizada hacia 1970. A izquierda y derecha, Richard Hamilton fotografiado por Richard Saker para The Observer, en Serpentine Gallery, en el 2010

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Grau-Garriga. La memoria táctil.

“El tejido es nuestra segunda piel y la única que podemos escoger”. Grau-Garriga.

Grau-Garriga. Monument a l'esperança. Monasterio de Sant Cugat del Vallés. 1973. 550 cm. x 230 cm. x 450 cm

Grau-Garriga. En el claustro del Monasterio de Sant Cugat del Vallés. 16-02-2004

Josep Grau-Garriga (Sant Cugat del Vallés, 18 Febrero 1929 – Angers, 29 Agosto 2011) sentó en la década de los 60 las bases del arte textil de vanguardia desde la Escola Catalana del Tapís. El cambio lo llevó a cabo desde la fábrica Casa Aymat de Sant Cugat, donde trabajo con Miró, Tharrats, Tápies, Subirachs, Ráfols- Casamada, Josep Royo y Carles Delclaux, entre otros creadores o discípulos, después de haber aprendido del padre de la tapicería contemporánea, el surrealista francés Jean Lurcat, al que conoció en 1957.

Grau-Garriga (Enlace a la entrevista que Josep Mª Espinás le hace en el programa IDENTITATS, para tv3 de Catalunya, el 04-05-1986).

Tapiz de la Creación. Catedral de Girona. Primera mitad del Siglo XII. Románico Catalán.

“El arte es CREAR, es hacer lo que no ha existido antes”. Grau-Garriga.

Grau-Garriga. En su estudio de Barcelona. 1965

Grau-Garriga

“Lo más importante es el individuo y su ética vital. La obra son rastros de esta circunstancia”. Grau-Garriga.

Grau-Garriga. Autorretrato. Punta seca sobre zinc. 1988

Grau-Garriga en su estudio con bocetos de sus obras. Foto de Salvador Sansuán

“Para mi cuenta mucho lo vivido, la memoria”. Grau-Garriga

Grau-Garriga. Mestral blanc i or. Tapiz. 360 cm x 525 cm. 1963

La Vanguardia de Barcelona reseñaba su primera exposición individual. “Mestral blanc i or” era todavía un tapiz tradicional, tejido a partir del dibujo de “cartones”, imitando en el resultado a la pintura, pero el esquematismo formal y el grado de abstracción de lo representado ya apuntaban los nuevos caminos.

La revolución conceptual de la creación de Grau-Garriga radicó en incorporar al “tapiz” la tridimensionalidad y el “realismo” táctil de todo tipo de materiales textiles u orgánicos enraizados en nuestras memorias, convirtiéndolos en símbolos y alegorías de nuestra idiosincrasia, historia y tiempo, relatando de parejo modo a como el Tapiz de la Creación lo hace en su época.

Grau-Garriga. Entre llençols. 1982. 350 cm. x 300 cm.

 “Cuando realizo una obra cuenta mucho lo vivido. En este tapiz uso ropa personal, una sábana que he hecho servir. Siempre que integro un material en una creación lo hago por motivos personales y de memoria que prevalecen sobre los motivos estéticos”. Grau-Garriga.

NOTA PERSONAL.

“En 1973, yo era un estudiante de Filosofía y Arte de la Universidad Autónoma de Barcelona. Nuestras aulas estaban en el Monasterio de Sant Cugat y vivíamos y estudiábamos bajo el cobijo de su espiritual claustro. Presencié junto con mis compañeros la realización de “Monument a l’esperança” y vivimos la fuerza y simbolismo de su presencia. Para todos nosotros eran tiempos de ilusión, de lucha y esperanza. Desde aquel entonces he seguido y aprendido de su creativa trayectoria. Hoy quiero reconocerle y preservar su memoria”. Manuel Oller Varela.

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Lucian Freud. La memoria del cuerpo.

Lucian Freud (Berlín 1922 – London 2011), nieto de Sigmund Freud, murió el 20 de Julio del 2011, a la edad de 88 años. Su legado creativo debe permanecer por siempre en nuestra memoria.

Llegó a Londres en 1932, llevado por su familia que huía de la barbarie nacional socialista. Lucian Freud es considerado, junto a Francis Bacon y Frank Auerbach uno de los más destacados representantes de la llamada Escuela de Londres, un grupo informal que aglutinó a un conjunto de creadores de primer rango, surgidos todos ellos tras la II Guerra Mundial y que se caracterizaron por su vinculación a una figuración de gran arraigo expresionista.

Lucian Freud. "Double Portrait". 1988-1990. Oil on canvas. (113 x 134,5) cm.. The UBS Art Collection, 2005 Lucian Freud

“Painting myself is more difficult than painting people, I’ve found.” Lucian Freud 

Lucian Freud. Reflection (2002). Autorretrato.

“My work is purely autobiographical.. It is about myself and my surroundings. I work from people that interest me and that I care about, in rooms that I know.” Lucian Freud. 

Lucian Freud. Doble retrato. 1985-86

Lucian Freud. 2005. Photo by David Dawson

Casi al final del camino, en el 2005, David Dawson captura en esta foto la trayectoria de Lucian Freud, pletórica, intensa, llena, aferrada a una vida que ya parece tenerlo exhausto, consiguiendo una mirada émula a la que el artista siempre tuvo con los demás, aquella intensa e inmensa mirada que, amparada en la más refinada tecné, “desnudaba mentes”, que no cuerpos.

Lucian Freud y su afición por la cetrería

La vinculación afectiva y mental con algunos animales fue una constante en la vida de Lucian Freud. La cetrería fue una pasión.

Lucian Freud junto a su madre. Photo by David Montgomery. Getty Images

Lucian Freud. La madre de Lucian. 1984. The Bridgeman Art Library.

Lucian Freud. Rigor mortis de su madre

La obsesión de Lucian Freud fue siempre negarse a pintar lo que “se ve” para pintar lo que “es”.

Lucian Freud.Reflection With Two Children. 1965

Lucian Freud.

Geordie Greig escribe, el 22 de julio del 2011, sobre Lucian Freud en el London Evening Standard.

Lucian Freud en su estudio. Photo by David Dawson.

David Dawson y su perro Eli. Photo by Nick Cunard.

Lucian Freud. David Dawson

Lucian Freud pintando a David Dawson. Photo by Geordie Greig

Durante los últimos 20 años, David Dawson fue el asistente personal de Lucian Freud, atendiendo a todo lo que hubiera menester. Dawson fue el secretario, el fotógrafo de cámara, el modelo permanente que permitía todos los ejercicios de dicción del creador. No es un “alter ego” pero si el permanente interlocutor.

De mi reseña de Lucian Freud quiero entrelazar cuatro imágenes para invitarles a una reflexión: El autorretrato de juventud con el perro, el retrato de Dawson con el perro, la foto de Geordie Greig que fija a Freud pintando a Dawson y que es toda una lección de análisis del lenguaje corporal. Y finalmente la foto de Dawson capturando a un Freud ensimismado en su memoria, atenazando a su perro.

Lucian Freud.

“One has to find the courage to keep on trying not to paint in a stale or predictable way”. Lucian Freud.

Palabras de Lucian Freud en un intercambio de sentimientos con Martin Gayford.

Lucian Freud. Benefits Supervisor Sleeping. AP.

La peculiaridad creativa de Lucian Freud radica en construir todo el universo de contenidos de su obra, picando y puliendo siempre la misma piedra: La figura humana. La cual desnuda haciendo valer su turbadora densidad carnal.

Lucian Freud. Desnudo.

Lucian freud. Retrato de Rose. Photo by Timothy A. Clary

 “Quiero que mi pintura funcione como carne, Para mí, la pintura es la persona. Que ejerce sobre mí mismo un idéntico efecto que la carne”. Lucian Freud.

Lucian Freud en su estudio con Ria.

Lucian Freud. Mujer sonriendo. 1958-59.

Lucian Freud y Kate Moss contándose un chiste.

Lucian Freud con Kate Moss.

Lucian Freud. Kate Moss embarazada.

En el estudio de Lucian Freud.

Lucian Freud en su estudio con la estudiante de pintura Perienne Christian y el trabajo que ella hace.

Desde super modelos a “Benefits supervisors”, pasando por su hija Esther, muchas mujeres han inspirado la creatividad y obra de Lucian Freud posando desnudas para él. En el 2009 y durante más de un año, la musa inspiradora fue la joven de 25 años Perienne Christian. 

Lucian Freud trabajando en su estudio por la noche. 2005. Photo by David Dawson

“Of course, I am selfish, I always want to paint”. Lucian Freud.

“His palette is perhaps eight colours. He never put the tops back on the tubes so the paint cakes up on them and he flicks this off on the wall with a swipe. He has been doing this on the studio wall for the last 40 years so it is thick with many years’ layers. Like a wall in the life rooms at the art schools of the Fifties that I knew, but this was all done by the same hand – a rare and beautiful thing in itself”. David Hockney.

Lucian Freud pinta a David Hockney.

 “The palette he never cleaned, just smoothed out bits for mixing which he does for every change of tone. The paint tubes were all on a trolley that didn’t look as though it could move. There might have a hundred. The first time he took a long time to find a tube. I thought he must be looking for a colour he doesn’t use much. I was right. It was cerulean blue for my shirt”. David Hockney

Lucian Freud. Autorretrato. Reflectión. Photo Scott Wintrow / Getty Image.

 “Full, saturated colors have an emotional significance that I want to avoid.” Lucian Freud

David Hockney. Retrato de Lucian Freud y David Dawson.

David Hockney escribe sobre Lucian Freud, con motivo de su muerte en el London Evening Standard. 

Lucian Freud. 2010. Photo by Stephan Agostini. Agence France-Press. Getty Images

Francis Bacon. Tres estudios para un retrato de Lucian Freud.

Lucian Freud. Francis Bacon. 1952. Oil on metal.

Es propio de grandes creadores el reconocerse, el saber encontrarse en el camino.

Lucian Freud.

Lucian Freud and Queen Elizabeth II

El retrato que Lucian Freud hace de Isabel II  muestra una mujer anciana afectada por los duros avatares de una larga vida, una pieza creativa de minúsculo tamaño para diseccionar una “grandeza”. La sumisión de una “reina” a largas horas de pose permitiendo que los montones de pasta de pintura retocados a lo largo de años emerjan no lo que vemos sino lo que debemos ver.

Lucian Freud and Queen-Elizabeth-II. Comparación entre ambos cuadros.

Lucian Freud retrata a la reina Isabel II como un alter ego de si mismo, dándole la forma de sus cejas, sus pequeños ojos, las fuertes arrugas de su cara y la dureza de su barbilla.

<a title=”VÍDEO SOBRE LUCIAN FREUD” href=”http://www.nowness.com/media/embedvideo?itemid=376&issueid=992The God of Small Things on Nowness.com.

” target=”_blank”>VÍDEO SOBRE LUCIAN FREUD

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Ai Weiwei, Hu Jia, Liu Xiaobo. Tiananmen.

La noticia salta a todos los medios de comunicación del 23 de Junio del 2011. El artista y activista chino Ai Weiwei, tras 81 días de prisión es puesto en libertad condicionada.

Ai Weiwei concibe su disidencia política, los actos y gestos de la misma, como obras de arte. Nulla ethica sine esthetica. Un sincretismo para apuntar una ardua digresión filosófica.

Ai Weiwei. Instantánea de un autorretrato.

Ai Weiwei se retrata a si mismo momentos después de haber sido golpeado en la cabeza por la policia local de Chengdu, localidad china a la que había ido para dar apoyo a un activista local, que con motivo del terremoto de mayo del 2008, había sido encarcelado por el gobierno chino.

Ai Weiwei, siguiendo la tradición de los “creadores” se hace un autorretrato y establece el paralelismo que resaltó Nietzsche, entre el hecho de vivir y la capacidad de experimentar estéticamente.

“Todas las valoraciones han sido creadas, cada valoración es destruida. Pero el valorar mismo, ¿cómo podría ser destruido? La vida misma es valorar. Valorar es gustar”. 

“Dar estilo al propio carácter es un arte grande y raro. Emplea este arte quien alcanza a ver cuanto ofrece su naturaleza en fuerzas y debilidades y lo inserta en un plan artístico hasta que cada cosa aparece como arte y razón”. Nietzsche.

Para construir un dispositivo ético, para cohesionar la sintaxis de los actos de una vida, hay que estilizar, esculpir, el carácter moral en el que estemos trabajando usando herramientas estéticas.

Ai Weiwei desarrolla su activismo político y toma posiciones éticas construyendo situaciones estéticas capaces de ser proyectadas y amplificadas por los medios de comunicación.

TIANANMEN

El símbolo estético de una ética.

Estudiantes leyendo en Tiananmen. 1980 . Photo by Liu Heung Shing

Tanques en Tiananmen. 5 de junio 1989.

Ai Weiwei in Tiananmen Square in 2009.

Ai Weiwei. Fuck

Ai Weiwei se hace retratar en Tiananmen, con motivo del 20 aniversario de la masacre, ubicándose así mismo como obra artística, en el momento adecuado, en el sitio justo. El lienzo para su creación es su pecho descubierto, la expresión de la obra un graffiti sobre el muro de su persona. Su creación ética adquiere la estética de una pancarta. Arte y política se prestan sus atributos para darse forma y contenido mutuo.

Ai Weiwei entrevistado, en el 2008, por Laura Sydell de NPR en su estudio de Pekin. Photo by Jeff Kelley.

Ai Weiwei, foco e interés de todas las miradas se deja absorber, pero tanto él como su cámara se mantienen alerta y expectantes ante todo lo nuevo que pueda acontecer.

Retratándose, retratado, retratando, el círculo “perfecto” o el triángulo “equilátero”.

Ética y estética prestándose atributos para darse forma y contenido mutuo.

LAS PIPAS DE GIRASOL GERMINAN.

Ai Weiwei, tras 81 días de prisión, está en libertad condicionada.

Ai Weiwei. 21 de junio 2011. Photo by David Gray. Reuters

Ai Weiwei saliendo de su estudio. Sus palabras a los medios de comunicación, al mundo, una vez “liberado” han sido:

“In legal terms, I’m __ how do you say? __ on bail. I’m fine. I’m out. I’m back with my family. I’m very happy. I’m okay. I’m out. I’m fine now. I can’t tell anything. That’s a condition of my release”. Ai Weiwei.

De la otra parte, un breve comunicado de Xinhua, la agencia estatal de noticias china decia:

“A company controlled by Mr. Ai, the Bejiing Fake Cultural Development Ltd, was found to have evaded a huge amount of taxes and intentionally destroyed accounting documents”.

“Mr. Ai had agreed to pay the money he owes”. Xinhua.

Quede este contencioso, su pormenores o mayores, y el de tantos otros disidentes chinos, para que cada uno profundice en ellos y se posicione según considere.

Ai Weiwei. 21-06-2011. Photo by David Gray. Reuters

Por encima de detalles, la disidencia china y todas las disidencias del mundo tienen que poder ser ejercidas democráticamente y ningún gobierno puede tener presos políticos, ni a la descarada, ni amparándose en eufemismos.

Hu Jia, (Premio Sajarov), detenido en diciembre del 2007 y liberado tres días después que Ai Weiwei, lideró la lucha por los derechos de los enfermos de sida.

Hu Jia. 09-01-2011. Meses antes de ser arrestado. Photo by Frederic J. Brown. AFP / Getty Images.

Hu Jia denunció tenazmente un tema aún tabu en China: el contagio de VIH que sufrieron miles de empobrecidos campesinos de la provincia de Henan que vendieron su sangre, por un puñado de yuanes, en transfusiones masivas. También ha luchado por la defensa del medio ambiente y la de todas las víctimas de abusos de poder en general.

Liu Xiaobo (premio Nobel de la Paz 2010) profesor de literatura, condenado, el 25 de octubre del 2009,  a once años de cárcel, por “incitación a la subversión del poder del estado” en el 2008 y por su papel en la redacción de la Carta 08.

Liu Xiaobo

Liu Xiaobo pasó 20 meses en la cárcel por su papel en las protestas a favor de la democracia en la plaza Tiananmen (1989). El y otros tres activistas convencieron a los estudiantes de que abandonaran la plaza horas antes de la matanza.

Cuando le concedieron el Premio Nobel de la Paz lo dedicó a las víctimas de Tiananmen, que habían dado su vida…

“… por la paz, la libertad y la democracia”. Liu Xiaobo.

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AI WEIWEI. Freedom. Libertad.

“No olvidemos que en el mundo hay millones de personas privadas de libertad. Si queremos ser y sentirnos libres debemos ayudar a liberarlas “. MOVmemoria.

Ai Weiwei (Pekín, 28 de Agosto de 1957) es un artista, diseñador arquitectónico, comentarista y activista social chino.

Fue el asesor artístico de la construcción del Nido de Pájaro (Estadio Nacional de Pekín), donde se celebraron los Juegos Olímpicos de Pekín del 2008.

“Pensé que los Juegos y diseñar el estadio era una buena oportunidad para mostrar al mundo que China quiere cambiar de forma sincera su historia. Pero tratando con esos burócratas me di cuenta de que los Juegos no iban a ser un momento de celebración sino un viejo juego de propaganda. Ésto me entristeció mucho y anuncié que no quería tener nada que ver con ellos”. Ai Weiwei.

Ai Weiwei es un creador de relieve mundial, pero caído en desgracia frente al gobierno y autoridades de su país. Hoy en día es una persona privada de derechos ciudadanos y de libertad de expresión.

Ai Weiwei tirando al suelo una urna de la dinastía Han, el 16-05-2009.

 “La foto del jarrón representa una liberación espiritual, destinada a desembarazarnos a nosotros mismos de la lucha clásica sobre nuestra identidad cultural y sus interpretaciones históricas. Es un gesto hecho para dignificar las acciones personales. A veces necesitas una declaración de principios para identificarte a ti mismo, pero también para cuestionar la autoridad y asentar tu propia posición sobre algunos asuntos”. Ai Weiwei.

Su compromiso como activista social lleva a Ai Weiwei a denunciar la mala calidad de construcción de las escuelas de su país, algunas de las cuales fueron trágicamente destruidas  durante el terremoto de Sichuan, en el 2008.

En noviembre del 2010, Ai Weiwei fue arrestado en su domicilio, después de anunciar la organización de una cena de camaradería, para el 7 de noviembre en Shanghai, con la que pretendía denunciar la orden dada para la demolición de su estudio, en esa ciudad. La detención fue ordenada y ejecutada por las autoridades chinas en razón de una supuesta ilegalidad del mismo. Ai Weiwei siempre negó este extremo, señalando que tenía el beneplácito de las autoridades de Shanghai para construirlo y que la actuación del gobierno sólo obedecía a un castigo contra él, por su apoyo a la disidencia del país. Días después, el gobierno chino ordenó demoler su estudio.

Ruinas del estudio de Ai Weiwei. FLICKR 11-01-2011.Foto subida a Internet por los simpatizantes del artista. http://www.flickr.com/photos/46231077@N06/with/5345321980/

El 3 de abril del 2011, la familia de Ai Weiwei denunció su desaparición. Había sido detenido en el Aeropuerto Internacional de Pekín, cuando se disponía a volar a Hong Kong, según confirmó a EFE la organización de derechos humanos Human Right Watch (HRW). El 7 de abril, el gobierno de la República Popular China afirmó que Ai Weiwei se encontraba detenido en un lugar indeterminado por presuntos delitos de “crímenes económicos”.

Todos estos acontecimientos policiales distan de ser la respuesta a la persecución de delitos comunes. Son una respuesta política para tratar de silenciar y degradar a quien por sus denuncias sociales y por el sentido de sus obras de creación les hace sentirse moral y politicamente deslegitimados.

La instalación “Pipas de Girasol”, “Sunflower Seeds“, la última creación de Ai Weiwei, ha llenado, la Sala de Turbinas de la Tate Modern Gallery de Londres, desde el 12 de octubre del 2010 hasta mayo del 2011, de visitantes y admiradores.

Ai Weiwei muestra las pipas de porcelana de su instalación "Sunflower Seeds". Photo by Stefan Wermuth.

 100 MILLONES DE SINGULARES PIPAS DE GIRASOL.

Depositadas en un vasto y adecuado lugar que les da cabida para que unidas cojan toda la fuerza de la evocación y fermenten la fuerza de la movilización.

Ai Weiwei extiende 100 millones de pipas de Girasol

El girasol, fruto seco muy común en las calles de Pekín, fue un fuerte símbolo en los años de la Revolución Cultural, cuando el líder Mao Zedong era representado en los carteles de propaganda como un sol rodeado de girasoles, que simbolizaban a la gente.

Mao. El sol rodeado de girasoles. Cartel de propaganda.

“Pipas de Girasol”, “Sunflower Seeds”, la creación sensorial de Ai Wewei, es además una creación de artesanía colectiva, ya que cada pieza de porcelana está elaborada y pintada a mano, por trabajadores chinos del pueblo de Jingdezhen, el mismo que en el pasado fabricaba exquisitas porcelanas para la corte imperial.

Hay muchos vídeos de Ai Weiwei en la red, pero quiero significar los dos que incluyo en este artículo. El primero porque, siendo clandestino, remite al trabajo esforzado de los que por ser los protagonistas cuentan o casi no cuentan. El segundo porque, siendo el recuerdo del “vernissage”, remite a la vanagloria, a la forma en que el elitista mundo del arte absorbe las reivindicaciones legítimas para superar su mala conciencia cívica.

“Pipas de Girasol”, en mi opinión, adquiere toda su dimensión dramática cuando se observa y vive en soledad.

Ai Weiwei. "Sunflower seeds". Instalación en la Tate Modern. London.

Una persona compenetrándose en soledad con la creación artística.

“Pipas de Girasol”, “Sunflower seeds” golpea a las autoridades chinas. No pueden silenciar la obra, pero aduciendo delitos económicos, detienen a Ai Weiwei, tratando de silenciar al creador, de hacerlo desaparecer. En ese momento la viva obra de arte, convertida en llama de esperanza, pasa a manos de los receptores,  que de desear ser y sentirse libres, deberán esforzarse por mantener en la memoria colectiva a Ai Weiwei creador, artista y persona.

Ai Weiwei ha desaparecido.

Ai Weiwei ha desaparecido.

Ai Weiwei debe aparecer.

Muchos han sido, son y serán los actos promovidos por todo tipo de personas y colectivos, para dar a conocer la detención de Ai Weiwei y exigir su libertad. La primera caja de resonancia, su propia obra, pero voy a destacar acciones que se significan por ser  diálogos entre creadores.

Durero. "Nemesis". Grabado sobre papel. 32,9 x 22,4 cm. National Gallery of Scotland en Edinburgh.

El proyecto NEMESIS del creador cubano-americano Geandy Pavón es una performance artística, concebida como protesta de intencionada carga política tras la muerte del preso cubano de conciencia Orlando Zapata Tamayo.

“Mi proyecto molesta al gobierno cubano porque a nivel de imagen les perjudica más que una bomba, es terrorismo blanco. Nunca se les había atacado tan directamente desde el arte” Geandy Pavón.

Como derivación de esa idea de denuncia, la noche del 20 de mayo del 2011, Geandy Pavón proyecta un vídeo retrato de Ai Weiwei, sobre la pared del Consulado chino en Nueva York. 

La idea de Nemesis consiste en proyectar el rostro de las víctimas sobre la superficie de los edificios que albergan las oficinas de gobiernos que, como el chino, oprimen a sus ciudadanos.

Ai Weiwei proyectado por Geandy Pavón,sobre el Consulado chino de New York.

Tangerine. En Hong Kong, la reacción de una creadora no se hace esperar. La “graffitera”, de 22 años, Tang Chin, más conocida como Tangerine, lanza la campaña de un “icono contra cultural”, bajo el lema: Who’s afraid of AI WEI WEI, alertando a la gente de Hong Kong de que la detención de Ai Weiwei es algo que también les afecta a ellos. Y así lo da como noticia, el 20 de abril del 2011, “The Standard” de Hong Kong.

Tangerine

“He’s one of the most prominent contemporary artists in the world right now”. Tangerine

“And if he can be arrested, then there’s no identity we can hide behind: Being a Hong Kong citizen doesn’t help anymore; being rich or social status doesn’t help. There’s no shield any more against this very naked power that’s trying to engulf us”. Tangerine.

Ai Weiwei by Tangerine

La “graffitera”, con su denuncia artística, consigue un mensaje político y en el contexto político – social y legal de Hong Kong arriesga la posibilidad de ser detenida y posteriormente condenada a 10 años de cárcel.

En un círculo vicioso inevitable, siempre, luchar por la libertad, comporta el riesgo de que los opresores consigan privarte de tu libertad.

Clandestinidad.

“I have to thank the police for drawing so much attention to this issue. Even if I have to go to jail, I think that would be a very, very worth it price to pay.” Tangerine.

Who's afraid of AI WEI WEI.

Fotos publicadas en ANIMAL New York, el 5 de Mayo del 2011.

http://animalnewyork.com/2011/05/whose-afraid-of-ai-weiwei-graffiti-girl-risks-10-years-in-jail/

Ai Weiwei graffiti wall.

http://www.npr.org/2011/05/04/135985475/hong-kong-graffiti-challenges-chinese-artists-arrest

Flash graffiti of Ai Weiwei.

Flash graffiti de Ai Weiwei proyectado durante segundos sobre el Cuartel del Ejercito de Liberación del Pueblo Chino en Hong Kong, en una acción de quebranto de leyes.

La “instalación” de Ai Weiwei, la “performance” de Geandy Pavón, el “graffiti” de Tangerine, tres acciones y tres creadores actuando en una misma dirección, la denuncia del poder que limita los derechos humanos individuales o colectivos y que para tratar de perpetuarse prohíbe la libertad de expresión.

Ai Weiwei. 13 de junio del 2007. Photo by Johannes Simon /Getty Images.

Ai Weiwei fue galardonado en el año 2008 con elChinese Contemporary Art Award for Lifetime Contribution”.

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Andy Warhol (1928-1987) en el pedestal de New York. Rob Pruitt.

 “Ésta es la otra Estatua de la Libertad. Da la bienvenida a desheredados, drogadictos, artistas y poetas”. Rob Pruitt.
.

Éstas pretenciosas palabras de Rob Pruitt sobre su propia obra “The Andy Monument”, culminan, hasta la fecha, la trayectoria artística de este creador, que creció con un póster del mítico cuadro de la sopa de tomate sobre el sofá de su casa familiar y que, a los 17 años, fascinado por “Warhol” se traslado a New York, para tratar de emularle.

Warhol. "Campbell's tomato soup". 1962.

“Debo hacer algo que tenga un gran impacto, que sea lo suficientemente diferente de Lichtenstein y James Rosenquist, algo que sea muy personal”. Warhol.

Pruitt y Warhol, el 30-03-2011, en Union Square. New York. Photo by Amy Zimmer.

Rob Pruitt diseña y modela la estatua a partir del escáner digital de un modelo vivo, su amigo y coleccionista de arte de Cincinnati, Andy Stillpass y la esculpe a mano.

Se imagina a Warhol en el año 1977, vistiendo con sus características gafas, un Levi’s 501, un blazer de Brooks Brothers, con una cámara Polaroid colgada al cuello y portando una bolsa marrón de tamaño mediano de Bloomingdale, que en la mente de Pruitt está llena de ejemplares de la revista Interview, fundada por Warhol en 1969 y que con frecuencia repartía el mismo en la calle, a la puerta de  “The Factory”.

The Andy Monument, obra de Rob Pruitt. Photo by EPA

Public Art Fund presenta la “instalación” The Andy Monument” de Rob Pruitt, hasta el 2 de Octubre del 2011, en la esquina Noroeste de Union Square de New York, justo al lado del edificio que albergó “The Factory”.

The Andy Monument, obra de Rob Pruitt. Photo by Gino Doménico. EFE

Al cumplirse 25 años de su muerte, Andy Warhol, el icono del Pop Art, y mitónomo por antonomasia, eleva su categoría de creador, por obra de Rob Pruitt, a la de mito excelso de la ciudad de New York, Tenemos el nombre y la representación de un artista  convertidos  en atracción turística y en lugar de encuentro, “meeting point”. 

"The Andy Monument". Warhol excrutado y/o admirado. Photo by Amy Zimmer.

La escultura hecha en fibra de vidrio está revestida de un baño de pintura cromada, para reflejar el mundo cambiante que la circunda, siguiendo, al mismo tiempo, imaginariamente, los designios de Warhol, que llegó a decorar las paredes de The Factory con papel de aluminio “para iluminar la esencia del hombre”. Warhol.

“The Andy Monument”. Warhol en dialogo con un ciudadano miméticamente identificado. Photo by Amy Zimmer.

  “La muerte y el cielo tienen que ser lo más parecido a una visita a Bloomingdale”. Warhol

“The Andy Monument”. Warhol y el vendedor ambulante, conviviendo día a día y coexistiendo con la memoria. Photo by Amy Zimmer

Quizás de todo esto salga que la estatua figurativa de concepto neoclásico de Warhol deje de ser una instalación de arte temporal y se quede permanentemente a convivir, como un fantasma, en Union Square Park, lugar con una gran tradición asociada a las protestas de reivindicación de Derechos Civiles, junto al heterogéneo grupo de estatuas ya existentes, Gandhi, Lincoln, Washington y Lafayette, dedicadas a sendos defensores de la libertad. 

Rob Pruitt junto a su creación. Photo by Amy Zimmer.

Rob Pruitt aspira a que su pieza se convierta en un lugar de peregrinación como la tumba de Jim Morrison en el cementerio Pére Lachaise de Paris

Bronce ecuestre de Washington. Escultura de Henry Kirke Brown. 1865. Photo by Wally Gobetz.

 

Lafayette. Escultura de Frédéric-Auguste Bartholdi. 1873. Photo by Wally Gobetz.. Bartholdi, diseñó The Statue of Liberty,

 

Lincoln. Escultura de Henry Kirke Brown. 1868. Photo by Museum Planet.

Gandhi. Escultura en bronce de Kantilal B. Patel. Photo by Rohit_K
 En la otra punta de la plaza, ajeno al plateado visitante, Gandhi prosigue a pleno sol su eterna caminata: “Tú debes ser el cambio que quieres ver del mundo”. Gandhi 
 

"The Andy Monument". Union Square. New York. 30-03-2011. Photo by Amy Zimmer

 En una carta a un amigo, Rob Pruitt le dice entre otras cosas:

“There are hundreds of monuments to politicians in the New York City, but I can’t think of any monuments to artists, and other figures who actually represent the lived experience of most of the people who live here. When I was a teenager, I visited Pere Lachaise cemetery in Paris, where Jim Morrison and Oscar Wilde are buried. I was struck by the throngs of people that came to visit the tombs of their idols. When Andy Warhol died, his family had his remains sent back to Pittsburgh, where he was born, and so no such marker for him exists in New York. But Andy, like so many other artists and performers and people who don’t fit in, moved to New York to be himself, fulfill his dreams and make it big. That’s why I moved here, and that’s what my Andy Monument is about”. Rob Pruitt.

Delante de la Estatua de la Libertad. 26-05-2010. Photo by AP/Peter Morgan

Liberty Enlightening the World.

La liberté éclairant le monde.

La libertad iluminando el mundo.

Rob Pruitt.

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Tiempo. “Las viejas” de Goya y Polke.

“Sí, hay cosas en mis cuadros que no pueden verse a simple vista. Hay formas o figuras que se aprecian en función de la luz o el movimento del espectador, pero, además, otras cosas sólo se verían con rayos X”. Polke.

Goya. “Las viejas”. 1810-1812. Óleo sobre lienzo. (181×125) cm. Musée des Beaux-Arts. Lille.

Sigmar Polke (1941-2010) estuvo influenciado por “Las viejas” de Goya durante toda su trayectoría creativa.  Antes de conocer el cuadro “in situ” y no digamos ya a partir de ese momento (1982).

Del cuadro le intrigaba todo, su apariencia y sus secretos. El tema y la iconografía de “Las viejas” (un cuadro de alegorías y símbolos) son aparentemente claros. El mitológico Saturno – Cronos, el Padre Tiempo, el “inmóvil” y eterno tiempo al acecho del paso del tiempo, abalanzado sobre lo temporal, esas mujeres ya decrépitas que engalanadas de juventud se interrogan sobre si mismas con ironía… ¿Qué tal?.
“Las viejas”, en su apariencia pictórica invita a todas las reflexiones y es susceptible de múltiples lecturas e interpretaciones.
Polke, en 1982, visitó ese cuadro, ese inspirador aparentemente conocido, pero en ese encuentro tuvo la oportunidad de vivir un gran acontecimiento; tener entre sus manos, frente a sus ojos, una radiografía del mismo, reveladora de íntimos secretos.
La memoria de la obra desvelada por la radiografía, determinó la manera en que Polke entendía la pintura.
“Las viejas” de Goya. Radiografía.

La radiografía desveló una pintura soterrada: un Cristo resucitado y una Virgen. La superposición de Saturno- Cronos (El tiempo – la muerte) sobre la divinidad católica y/o la Resurrección da lugar a muchas interpretaciones. Destaquemos que los motivos de las dos capas de pintura se interrelacionan.Para Polke, la superposición de pigmentos implica la superposición de capas de sentidos.

“No es un cuadro que me parezca especialmente bonito, pero en él me interesaba tanto la técnica pictórica y las superposiciones de capas como el tema de la vanidad y el paso del tiempo que representa. Es un conjunto de conceptos que me cuestionan la vida”. Polke

Para Polke, la pintura es una superposición de estratos, como la memoria, como la vida.

Sigmar Polke fotografiando “Las viejas” de Goya y texto de la revelación.

Polke unido a su cámara.

Cuando Polke realiza sus creaciones, se somete a una práctica, a una manera de hacer, operando por capas de elementos muy diferentes que superpone una tras otra.La obra de Polke es mezcla y síntesis pero también fragmento y nomadismo, tránsitos de una cosa a otra, como el de la vida a la muerte, como el del tiempo, de un instante a otro instante.La diferencia entre Goya y Polke radica en que el primero oculta el proceso mientras que el segundo lo hace evidente.

Polke. “Fantasma”. 1982. Técnica mixta sobre tela (180 x 150) cm.
“El fantasma” es una clara alusión a lo que habita tras la pintura.
Por su manera de crear, Polke es considerado un “Alquimista del arte”, al experimentar constantemente con todos los materiales utilizados, al lograr, por ejemplo que sus cuadros cambien de color al reaccionar a la contaminación ambiental.
Su estudio era un laboratorio químico. En él experimentaba con distintos colores y materiales, tradicionales o radicalmente innovadores, exponiéndolos a determinadas temperaturas y condiciones que derivaban en un efecto u otro.
Usó las técnicas de la fotografía y de las artes gráficas digitalizadas.

Polke. Así es como usted se sienta bien. 1982. Acrílico sobre tela (200 x 190) cm

Polke en su estudio. Foto de Thomas Kellner.

Y para completar la superposicón de estratos esta misteriosa y exotérica paridad de rostros, con formas y arrugas del tiempo, equivalentes.

Francisco de Goya. "Autorretrato". 1815. Óleo sobre lienzo a partir de un fresco. (46 x 35) cm.

Polke at the Kunsthaus Zurich. AP Photo-Keystone. Alessandro Della Bella
En ambas imágenes, sobre la base de un espacio de fondo, destacan el cuello pulquérrimo de una camisa con el cuello abierto. Los colores cálidos del fondo y el resto de vestimenta complementan la delicada tez sonrosada del rostro de ambos creadores.
 El cuadro y la fotografía buscan la luz de las caras.
Ambos transmiten un amble espiritu de placidez, el que corresponde a artistas experimentados y ya entrados en ancianidad. Ambos creadores miran francamente al espectador que los observe y parece que nos interpelan. Son hombres al final de su vida que se muestran tal cual son.
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Autorretratos de Miró y Karsh.

“La belleza y la vitalidad son regalos de la naturaleza, para aquellos que viven sus leyes.” Leonardo da Vinci.

En la obra de Joan Miró (20 de Abril, 1893 – 25 de Diciembre, 1983) los autorretratos son escasos. En 1919, cuando viaja por primera vez a Paris, conoce a Picasso. Se hace un autorretrato, al óleo, y se lo regala al amigo.

En esta obra Miró se toma a si mismo de frente, moldeando el volumen a través de la luz, representandose con cierta ingenuidad pero con detallismo y precisión, bajo una cierta influencia cubista.

Joan Miró. Autorretrato. Óleo sobre lienzo.1919. Óleo sobre lienzo. 73 x 60 cm. Museo Picasso. París.

En 1937, Miró vuelve a tomarse de frente. Se hace un autorretrato surrealista. La representación figurativa queda estigmatizada con signos y motivos extraidos del reino de la memoria y de un mundo interior y subconsciente lleno de fantasía e imaginación. Sobre el “dibujo de su cuerpo” crea un universo pictórico de signos surgidos del automatismo psiquico, crea un lenguaje própio que ha sido llamado “onirismo esquemático”.

Joan Miró. Autorretrato surrealista.

En 1960, los impulsos poéticos y surrealistas de Miró han ido adquiriendo un marcado carácter abstracto. La figuración se torna marcadamente gestual, sintética, esquemática. Es el momento de revisar su “Autorretrato surrealista” según un criterio de síntesis extrema. Miró hace una cópia sobre tela de aquel dibujo y sobre la misma, con trazo grueso y rápido, simplifica aquel rostro turbulento. Al rostro particular, concreto, identificable, se imponen las formas básicas de un personaje genérico, universal.

Miro. “Autorretrato” 1937/38 – 1960. Óleo y lápiz sobre tela.     (146,5 x 97) cm. Fundació Miró. Barcelona.

En 1966, Joan Miró es captado, en su esencia psicológica, por la perfecta mirada del ojo y la cámara de Yousuf Karsh. La expresión de Miró en estas dos fotos, posando, no junto a sus obras, sino sobre sus obras definen el perfil de este gran creador.

Joan Miró. Foto de Yousuf Karsh. 1966.
Joan Miró. Foto de Yousuf Karsh. 1966
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Los “Gluts” de Rauschenberg

“Ningún otro artista estadounidense ha inventado más cosas que Rauschenberg”. Jasper Johns
 
Rauschenberg y Jasper Jones poco antes de su ruptura.

El tejano Robert Rauschenberg (Port Arthur, Texas. 1925 – Captiva. Florida. 2008) tenía orígenes berlineses y cherokees.

Rauschenberg. Foto de Timothy Greenfield Sanders

“The Gluts” son una serie de obras realizadas en dos etapas (1986-89) y (1991-95) que hacen referencia a la crisis que los excedentes (“gluts”) en la producción de petroleo provocó en la economia de Texas y ofrecen un panorama social de aquella realidad.

“The Gluts” son relieves sobre la pared y esculturas hechas con señales de gasolineras derruidas y coches de desguace. La obra de Rauschenberg muestra en numerosas ocasiones especial atracción por los desechos.

“Me atraen los objetos abandonados, por eso trato de rescatarlos siempre que me es posible” Rauschenberg.

En 1986, Rauschenberg fue invitado a la commemoración del 150 Aniversario de la independencia de Texas y vió, por sí mismo, la catástrofe económica causada por la crisis internacional resultante de la superproducción de petroleo. Impresionado por el panorama y los “paisajes” vistos, empezó a reunir un vasto material proveniente de las abandonadas industrias de refinado y de las demolidas y ruinosas estaciones de servicio. El ensamblado de aquellos materiales y objetos, tratando de preservar sus referencias identitarias originales, da origen a “Gluts”.

Leo Castelli mostró, en 1986, en su galeria de Nueva York, por primera vez, esta “serie de obras”.

Rauschenberg manifestó con motivo de la exposición: “Es tiempo de excesos, la codicia es desenfrenada. Tan solo la expongo tratando de que la gente abra los ojos … Simplemente quiero que se enfrenten a sus ruinas. Les estoy ofreciendo “souvenirs” sin nostalgia. La verdadera misión de “Gluts” es ofrecer a la gente la oportunidad de observar las cosas y descubrir sus múltiples posibilidades”

Rauschenberg. "Mobile Cluster Glut. (Neapolitan)". 1987

Rauschenberg. "Pompei Gourmet Kitchen Glut (Neapolitan)". 1987

Rauschenberg. “Chrome Castle Glut (Neapolitan)”. 1987

 “The Neapolitan Gluts” fueron creados, en Nápoles, para suplir el dia del estreno de Trisha Brown’s show Lateral Pass en el Teatro San Carlo los decorados de la obra que habian quedado bloqueados en el puerto de Genova.

Rauschenberg. 26 de Junio de 1998. Foto de Roland Scheidemann – EFE

 “I have deliberately used every opportunity with my work to create a focus on world problems, local atrocities and in some rare instances celebrate men’s accomplishments. I have strained in collecting influences to bring about a more realistic relationship between artist, science, and business, in a world that is risking annihilation for the sake of a buck. It is impossible to have progress without conscience”. Rauschenberg (1971)

 

Rauschenberg. “Yellow Mobi Glut”. 1986
Rauschenberg. “West-Ho Glut”. 1986
Rauschenberg. “Blind Rosso Porpora Glut”. 1987
Rauschenberg. “Society Color Wheel Glut”. 1989

Rauschenberg quedó conmocionado al ver como un “exceso/glut” de producción petrolífera había causado la recesión económica de Texas, al ver como el paisaje rural de aquella zona se había convertido en un lugar decadente, salpicado de gasolineras cerradas, automoviles abandonados y barriles oxidados.

No pudiendo borrar aquellas imagenes de su mente, empezó a recopilar en un desguace cercano a su hogar de Florida: señales de tráfico, tubos de escape, parrillas de radiador, persianas metálicas, etc.

Y en su estudio de Captiva transformó aquella chatarra, aparentemente inservible, en relieves murales y esculturas. “Gluts”.

El Museo Guggenheim de Bilbao presentó “Gluts” en Febrero del 2010.

Rauschenberg en su casa y estudio en Captiva. 2005. Tony Cenicola – The New York Times

 “La belleza subyace, ahora, allí donde nos tomemos la molestia de mirar”. John Cage.

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Picasso y Karsh

En 1954, Pablo Picasso invita a Yousuf Karsh a visitarlo en su estudio de cerámica.

Karsh realiza con Picasso una más de sus antológicas series de fotografías.

 

Karsh nos dice algo así:

“Cuando uno ve el destello de la grandeza delante de su cámara debe reconocerla al instante. Hay un breve momento en el que todo lo que hay en la mente, en el alma, en el espiritu de una persona se puede reflejar a través de sus ojos, sus manos o su actitud corporal. Ese es el momento a fotografiar, el instante que hay que capturar. Ese es el esquivo “momento de la verdad”.

 

Karsh mira y piensa antes de apretar el botón. Su corazón y su mente son los verdaderos lentes de la cámara.

Picasso, junto a un muro de piedra ilumina, con su figura y su obra, la oquedad del tiempo. La arcilla se ha hecho cerámica, forma y cuerpo de mujer.

Picasso y Karsh nos ofecen un mundo de alegorias.

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